La esencia escénica creativa. De Stanislavsky a Strasberg, una revolución espiritual del cine. (Primera Parte)

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Parecía que todo había comenzado para Lee Strasberg en el Actor´s Studio, donde el austro-americano desarrolló y aplicó su Método y alcanzó fama mundial a consecuencia del resultado que arrojaban los actores que ahí se formaban y se probaban en las puestas en escena del realismo norteamericano en Broadway, dando vida, por ejemplo, a obras de Tennessee Williams, y Arthur Miller, pero fundamentalmente, en el cine de Hollywood. Fueel gran paradigma Marlon Brando y sus interpretaciones en las películas de Elia Kazan. Inclusive podríamos señalar que la apoteosis de este método tiene su máxima expresión en Un tranvía llamado deseo, se trata de una película que se basa en la obra homónima de Tennessee Williams es quizá, la apoteosis del Método.

Sin embargo por el Actor´s Studio pasaron grandes figuras del cine estadounidense, entre ellos podríamos contar a James Dean, Montgomery Clift, Paul Newman, Steve McQueen, Robert De Niro, Dustin Hoffman, Al Pacino, Harvey Keitel, Martin Landeau, Jack Nicholson, Sissy Spacek, Christopher Walken, Anne Bancroft.  Si se presta atención a los repartos de películas clásicas entre los años cincuenta y los ochenta y a las listas de ganadores de los Oscar, se comprenderá la dimensión de estos nombres. La mayoría desarrolla su carrera en el cine por lo que el Método está fuertemente ligado al séptimo arte. Inclusive hay que contar que fue al mismo Strasberg a quien se encomendada la tarea poco sencilla de entrenar a Marilyn Monroe. Cuenta la leyenda que el severo entrenamiento y la exigencia de bucear en sus dolorosas vivencias, produjeron un desequilibrio emocional en la actriz, que pusiera fin a su vida años después. Sin embargo, esto es sólo una leyenda, ya que Monroe en su testamento menciona una interesante herencia en dinero y en bienes a su maestro, en señal de agradecimiento.

Pero ¿dónde comienza todo esto? Podríamos partir de que fue Michael Chejov quien perfeccionó el entrenamiento corporal de los actores, desde el punto de las acciones físicas, y enseñó en Inglaterra y Estados Unidos el método Psicofísico del actor. Se formó junto a Stanislavski en el teatro del Arte de Moscú durante siete años. Sobrino del dramaturgo Antón Chejov, es considerado una de las figuras de mayor trascendencia en el teatro del siglo XX, por su capacidad para transformarse en escena realizando grandes interpretaciones. Fue dirigido por los más importantes directores del siglo XX: Stanislavski, Meyerhold y Vajtangov. Sus escritos así como enseñanzas prácticas sobre la interpretación son fuente de motivación para actores y centros de formación actoral en Rusia, Europa y Estados Unidos. Así es que la atmósfera, la creatividad de los actores, la fisicalización de la experiencia interior, la cuestión de estilo, de Meyerhold; la relajación, concentración, imaginación, comunicación y memoria afectiva, procedentes del Sistema Stanislavski, van a estar presentes en el método de Chejov. En Sobre la Técnica de Actuación nos regala un enfoque práctico y experimental del arte de la interpretación. Para Chejov, el talento no debe ser prioritario en las ocupaciones del actor, por lo que la profesión es desmitificada.

Por otra parte tenemos que las técnicas interpretativas contemporáneas, específicamente el Sistema Stanislavski  ha sido adoptado por muchas escuelas de interpretación del mundo, considerado como un punto de partida a la hora de experimentar sobre las técnicas de actuación. La escuela americana se denomina la escuela del Método para distinguirla del Sistema Stanislavski. Está historia inicia en el Laboratorio Teatral Americano, donde, desde 1923 a 1926 enseñaron dos alumnos de Stanislavski que llegaron a Estados Unidos, se trata de Richard Boleslavski y Maria Ouspenskaia. Ellos fueron la carta de presentación de esta nueva técnica interpretativa, una nueva forma de construcción y de trabajo del actor. Partimos de que el Sistema Stanislavski  proponía que los actores actuaran como un ente psicológico complejo que tuviera la capacidad de crear con su trabajo interpretativo capas de significado que vayan más allá del puro texto. A partir de acá, Harold Clurman y Lee Strasberg, alumnos de Boleslavski y Ouspenskaia, y Cheryl Crawford formaron el Group Theatre (1931-1940), se trató de un colectivo que logró consolidar a un grupo de actores dedicados a la producción de nuevas piezas americanas, representándolas en un estilo derivado del Sistema Stanislavski. El Método nace de una manera singular y propia en el seno del Group Theatre. Los cimientos se fundamentaron en una teórica y práctica con diferencias importantes respecto a los sistemas interpretativos estadounidenses de la época. De esta manera se había trasformando la interpretación en el teatro y más adelante en el cine estadounidense.

Ya para la década de 1950-1960 Lee Strasberg (Actor´s Studio), Adler (Stella Adler Conservatory) y Meisner (Neighborhood Playhouse) trabajaron sus propias versiones del Método, cada uno reclamando ser el verdadero depositario del Sistema Stanislavski. Los tres de basaron en distintos aspectos para personalizar su propio método, partieron desde una exacerbación de las ideas del primer Stanislavski, ahondando en su línea psicologista ingenua. Sin embargo fue Strasberg quien ya estimaba que muchos problemas de la actuación, especialmente los vinculados con la expresividad, que no habían sido desentrañados por el Sistema, habían hallado resolución en su Método. Las premisas fundamentales tenían que ver con la relajación y la concentración. Esto es porque él estaba convencido de que la clave del proceso creativo estaba en la memoria. Así es que partió de ahí para dedicarse a profundizar el desarrollo de la memoria emotiva, de tal suerte que logró darle una importancia nunca vista al control consciente así como a la recreación voluntaria de vivencias del pasado.

No es gratuito que el mismo Strasberg haya hecho patente en sus escritos la admiración que siente por las ideas de Gordon Craig con respecto al actor, cuya precisión lo asemejaría con una supermarioneta. El creador del Método  replantea el concepto de memoria afectiva que basó en lo aprendido de su maestro Boleslavsky.  Lo que Starsberg trabajó tuvo que ver con tomar el concepto y reorganizó una división en memoria sensorial, la relacionada con los sentidos y una memoria emotiva, relacionada con las vivencias experimentadas. Esta reorganización conceptual surge de la idea de que el entrenamiento  de estas memorias permite al actor el dominio sobre los contenidos inconscientes de su psiquis, de tal suerte que podrá mostrar una curiosa reinterpretación de los conceptos tomados de la psicología. Dichos contenidos son el motor de la actuación, por lo que la acción es pensada como resultado y no como causa y debe ser constantemente vigilada por los sentidos y la concentración. Así es que de acuerdo con las propias palabras de Strasberg, la acción sólo debe entrar en juego cuando el actor ha aprendido a reaccionar o a sentir.

Ahora bien, las reglas básicas del Método son: estar en el momento a momento; ser honesto y real; estar disponible y permitir ser afectado por los estímulos y reaccionar frente a ellos como también a mis compañeros de escenas. El Método propone el tan conocido y si… el como si…. Esto implica el hacer creer, esto tiene que ver directamente con la credibilidad que tanto se debe entrenar.  Se requiere ser el personaje pensando, sintiendo y moviéndose de una manera diferente. Sin embargo, ser real no es suficiente para actuar, solo es una parte del bien actuar, se trata de lograr un equilibrio que pone el énfasis en crear emociones reales, estar con la credibilidad de una situación, y ser teatral a fin de transmitir una historia al público. A partir de Stanislavsky la actuación comienza a ser verdadera y realista. Desde aquel entonces y hasta la actualidad surgen diferentes escuelas y corrientes teatrales; el fin de todas es llegar a la verdad y al ser verdaderos en la actuación, aunque los caminos para conseguirlo sean diferentes.